Nada podendo fazer a respeito disso, fui ao Instituto Cervantes ver algo mais sisudo: um debate com o produtor Pau G. Guillén, co-diretor, ao lado de Castón, do Festival Zinegoak e integrante do júri oficial do 16º Mix Brasil, e o cineasta Nacho G. Vellila, do filme Fuera de Carta, que estava o Panorama Internacional do Mix Brasil.

O assunto do debate estava na pergunta feita no título: “Cinema Queer Espanhol: nicho de mercado ou uma expressão sócio-cultural?”

(Pai dos burros in english: usamos o termo gay para designar o povo LGBT não apenas pela notória influência da língua inglesa, mas por ser um termo bem afirmativo, menos erudito do que homossexual e menos ofensivo do que “bicha”, “viado” – assim mesmo, com i; cortesia da turma do falecido Pasquim – etc., etc. e tal. Isso não quer dizer que os gringos não tenham seus próprios termos homófobos para os gays. É mais ou menos o caso de queer, que, numa tradução mais ou menos tosca, quer dizer exatamente “bicha”, “viado” etc., etc. e tal.)

Mas voltando à vaca fria. Cinema queer espanhol: nicho de mercado ou uma expressão sócio-cultural?

Bom, primeiro precisamos definir de qual cinema espanhol estamos falando – se é o cinema espanhol falado em castelhano e exportado para o mundo, ou se inclui os cinema falados nas outras línguas do reino de Juan Carlos I. Por exemplo, o cinema falado no enigmático idioma do País Basco.

Aliás, este ano, uma das programações especiais do Mix Brasil foi de uma seleção de filmes do Zinegoak, o festival de cinema e vídeo LGBT de Bilbao, uma das mais importantes cidades do País Basco. E, por increça que parível, há uns filmes bem interessantes neste programa.

Por exemplo, o divertido desencontro de A domicílio, de Mariel Macia (2007). Poderia ser mais curto que os seus 26′, que resolveria melhor, mas diverte assim mesmo.

Ou o inteligente tabuleiro de xadrez narrativo de Encruzijados, de Roberto Menéndez (2006, 8′).

Ou a passagem para a idade adulta de En el Instituto, de Xavi Sala (2007, 3′). Bacana mesmo.

Mas voltando ao debate. Uma das histórias que Nacho e Guillen contam – e que pode elucidar algumas coisas sobre esse assunto – é a de um produtor claramente homofóbico que, de uma hora para outra, com o sucesso de alguns filmes de temática e personagens LGBT, resolveu investir para valer neste filão.

Ou seja, mesmo não sendo muito fácil ainda, a pergunta-tema deste debate está se tornando um círculo virtuoso de corte bem capitalista: o cinema LGBT começa como uma expressão sócio-cultural, que chama a atenção de investidores pela repercussão e pelo público-alvo e se torna um nicho de mercado, que se desenvolve e reforça mais ainda uma expressão sócio-cultural, que reforça mais ainda este nicho de mercado, e por aí vai.

Delirium tremens deste escriba? Não, é a opinião dele. E não é uma opinião muito delirante, se compararmos com a situação brasileira, onde as sociochanchadas atacam no cinema, os produtos da Endemol dividem espaço com a produção estrangeira na TV paga, e os pastores evangélicos dividem espaço com os dois acima citados na TV aberta…

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Suzy Brasil: A Deusa da Penha Circular, de Renata Than, 2008, Brasil, 20’

Outro programa tradicional do Mix Brasil é o Trash-O-Rama. O nome já diz tudo: são filmes completamente trash - como o americano Bíblias para Marte, de Pete Barnstrom (2006, 13’), filmes que brincam com a fronteira entre o “sério” e o trash - como o alemão A vagina gostosa de Edith, de Jörn Hartmann (2007, 11’), filmes que se levam tão a sério de mais que acabam sendo trash, como o terror lésbico (?) americano À Sombra do Crepúsculo, de T. M. Scorzafava (2008, 12’).

E, pelo visto, tem também filmes sobre personagens que são ou podem ser considerados trash.

É o caso deste Suzy Brasil: a Deusa da Penha Circular, de Renata Than. Em apenas 20 minutos, o espectador é apresentado a dois personagens fascinantes, que dividem o mesmo corpo: a travesti Suzy Brasil, – “a deusa da Penha Circular” – , e sua identidade secreta – Eduardo, professor de Biologia da rede pública de ensino.

Peraí… um cara que é travesti de noite e professor de dia? Este personagem não me é estranho… Alguém aí já ouviu falar em Laura de Vison?

(Parêntesis para alguma brincadeira, que cinéfilo também não é de ferro. No momento em que fiz esta pergunta, me lembrei de uma daquelas brincadeirinhas um tanto quanto escrotas com um quê de homófoba. É assim: faça esta pergunta ao seu interlocutor. Se ele responder que não, dizer rápido: “É claro, bicha nova nunca ia se lembrar mesmo…” Se responder que sim, diga na bucha: “Aí, hein, bicha velha!…” O único risco é o seu interlocutor não levar na esportiva e você apanhar feito um boi ladrão, mas isso já são outros quinhentos…)

Laura de Vison – identidade pública de Norberto Chucri David, licenciado em filosofia, psicologia e história pela Faculdade Nacional de Filosofia e professor de História e Educação Moral e Cívica da rede pública estadual – foi um dos personagens LGBT mais emblemáticos da noite carioca – mais especificamente, da noite da Lapa, testemunha ocular de sua fase decadente, entre os anos 1970 e 1980, e de seu, digamos, renascimento, a partir da década de 1990, até virar purpurina (até porque, como reza o costume, gay não morre, vira purpurina) em 2007. E a primeira coisa em comum entre ela e Suzy é que ambas estão imortalizadas no audiovisual – especialmente no documentário da UFF Na calada da noite, de Paulo Halm e Luiz Arnaldo Campos. (Aliás, outra coisa em comum: Suzy Brasil também é um filme de escola – de alunos da Escola de Cinema Darcy Ribeiro.)

Bem, Suzy Brasil pode ser considerada uma reencarnação tosca-pero-no-mucho de Laura de Vison – a começar por sua maquiagem meio-tribufu-meio-palhaço-de-circo que a caracteriza. E é um achado inteligente dar voz ao seu alter-ego, o jovem professor Eduardo – com sua história e suas opiniões sobre a vida, a sua vida – e também à Suzy Brasil, com seu sensato besteirol.

Enfim, Laura de Vison ganhou uma sucessora – ainda que meio trash, é verdade – à altura de seu escracho e irreverência. Mais ainda, ganhou um registro magnífico registro no audiovisual para a posteridade.

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(…) o retrato existencial, social e cultural do homossexual é, no mínimo, deformante. No aspecto dos filmes analisados, raros demonstram um tratamento humanístico ou ético do homossexual (…)

Pelo retrato social oferecido nesses filmes, o homossexual seria, em síntese: um sujeito alienado politicamente; existente em todas as classes sociais, com preponderância na classe média baixa, onde, geralmente, tem um subemprego; de comportamento agressivo e que usa, freqüententemente, um gestual feminino exacerbado, o que se estende ao gosto pelo vestuário; e que nos relacionamentos interpessoais, mostra tendência à solidão e é incapaz de uma relação monogâmica, pois utiliza-se de vários parceiros, geralmente pagos, para ter companhia. 

É um modelo cruel, marcado pelo preconceito e a incompreensão, o deboche e a caricatura. Mas é a visão que, de forma especular, se depreende e que, infelizmente, prevalece neste assunto. Está expressa e pode ser comparada com o cotidiano de nossa sociedade. Onde indagaríamos: estas marcas têm vínculo com a realidade do homossexual brasileiro? É assim que ele deve ser representado? 

(MORENO, Antônio, op. cit.)

Boa pergunta.

Bom, Cinema em 7 cores, de Rafaela Dias e Felipe Tostes, não é a versão filmada de A personagem homossexual no cinema brasileiro – até porque, para isso, teria de ser um longa-metragem, porque tem material e fôlego para tal. Mas podemos considerá-lo um ensaio. E um excelente ensaio.

A estrutura é funcional, como pede um bom documentário informativo: entrevistas com críticos (como Andréa Ormond, do blog Estranho Encontro), cineastas (como Sandra Werneck, realizadora de Amores possíveis, e Karim Aïnouz, de Madame Satã) e outras personalidades (como o ex-BBB Jean Willys) e imagens de arquivo, de filmes brasileiros das últimas décadas – filmes onde, em sua maioria, aparecem estereótipos negativos em torno do personagem LGBT (a bicha-louca, a bicha – ou a sapata – perversa, a bicha – ou a sapata – ligada ao crime etc.) ou de como o lesbianismo era uma… digamos… pausa que refresca para o levantamento da… digamos de novo… moral do público masculino das pornochanchadas, salvo honrosas exceções. (Maiores detalhes sobre isso – e se me perdoarem a auto-propaganda – ver artigo deste escriba, Meninas de mãos dadas – O lesbianismo no Cinema, para a co-irmã Cinequanon). Na verdade, a pesquisa de imagens tornam este documentário um dos mais preciosos em termos de historiografia do cinema brasileiro – especialmente porque não mostram os estereótipos, mas suas honrosas exceções.

E faz-nos pensar não apenas sobre as razões disto mas da própria relação do povo LGBT com a tela grande aqui no Brasil, bem com o cansaço destas representações – sejam as estereotipadas e preconceituosas, seja as atuais, politicamente corretas demais e, no fundo, tão excludentes como o estereótipo.

Pena que seja curto. Vamos torcer pelo longa.

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Cinco Minutos, de Ricky Mastro, 2008, Brasil, 10′

Quem assistiu a Os sapatos de Aristeu, de Luiz René Guerra e, depois, a este Cinco minutos (ambos, aliás, na Competitiva Brasil III, do 16º Festival Mix Brasil), percebeu algumas gratas semelhanças (além do fato de ambos terem sido realizados na FAAP – ou melhor, por alunos formandos desta escola de cinema) entre eles. Ambos lidam com personagens LGBT (no caso, L mesmo, lésbicas). Ambos lidam com suas histórias com uma delicada intensidade. E ambos tem como fato detonador a irrupção abrupta da morte, e sobre a forma de lidar com ela. 

As personagens Alice (Nyrce Levin) e Adélia (Angela Barros) vivem juntas há anos, em uma relação estável, num pequeno apartamento em frente ao Elevado Costa e Silva (o famigerado Minhocão). Ali também criaram Stella (Sara Sarres), filha do primeiro casamento de Adélia. Na verdade, há algum tempo, Alice cuida de Adélia, que está doente. As coisas vão assim, até que, de repente – ou seja, em cinco minutos (os cinco minutos do título) – Adélia morre. A partir daí, o filme se centra no modo como Alice e Stella lidam com o fato, com a dor com as lembranças da longa relação de amor, com o tempo. 

Contado assim por este escriba incompetente, não parece muita coisa. Logo, é preciso ver o filme, para perceber que ele lida com todos estes elementos com uma intensidade delicada, apoiada no roteiro sensível e na belíssima direção de atores – outras coisas que Os sapatos de Aristeu tem em comum.

Ambos lidam com personagens LGBT. Ambos lidam com suas histórias com uma delicada intensidade. Ambos tem como fato detonador a irrupção abrupta da morte, e sobre a forma de lidar com ela.

E ambos são belos.

Espero para Cinco minutos a mesma carreira longa e de sucesso (pelo menos, em festivais) de seu, digamos, co-irmão Os sapatos de Aristeu. Ele merece.

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A Tal Guerreira, de Marcelo Caetano, 2008, Brasil, 14′

Como é público e notório, figuras femininas muito fortes, depois de algum tempo, tornam-se ícones permanentes no imaginário gay (Carmen Miranda é o exemplo mais famoso e mais manjado do que nota de um real, se é que você ainda acha fácil uma nora de um real…) .

Também como todo o mundo sabe (ou não), o candomblé e a umbanda são as únicas religiões brasileiras que aceitam a homossexualidade para seus fiéis e sacerdotes, até porque vários de seus pais-de-santo recebem orixás fêmeas – Oxum, Iansã etc (talvez seja por isso que as alas mais fanáticas de diversas confissões evangélicas as combatem até o ódio intolerante). 

Os dois mundos – o sagrado e o profano – acabam se cruzando em A tal guerreira, de Marcelo Caetano, sobre Clara Nunes. Ou melhor, sobre o ícone que a cantora – precocemente falecida aos 41 anos, durante uma desastrada cirurgia de varizes – se tornou na umbanda – onde se tornou a entidade-guia do templo Clara Nunes (que acreditam que ela se tornou um orixá Yansã no momento de sua morte) – e no mundo gay – onde o travesti Michelly passou a personificar a cantora numa boate gay.

A tal guerreira nos informa sobre isso e sobre o diálogo entre estes dois mundos. E é só. Correto demais em sua feitura, não vai além do informativo, e por isso nos decepciona. 

Aliás, decepciona mesmo quem acha Clara Nunes um ser de luz, pois está longe de ser iluminado.

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Quem assistiu Os sapatos de Aristeu, poderia levantar a mão, faz favor? 

Tudo isso de gente? Pelas barbas do camarão!…

Então vocês devem ter visto uma travesti mais velha, porte digno, quase muda, à frente da casa da mãe e irmã de Diana / Aristeu, à frente de sua família de outros travestis? 

Neste caso, permitam que a diretora Cláudia Priscila a apresente a vocês.

Con ustedes, Phedra D. Córdoba!

Phedra é bem simples: deixa que a própria Phedra D. Córdoba fale de si, de eu começo de carreira em Cuba sua vinda para o Brasil em 1957 – dois anos antes do “acordo” entre o ditador Fulgêncio Batista com los barbudos de Fidel Castro (Batista entrou com a bunda e eles entraram com o pé…) – sua carreira no Brasil, até sua presença atual no elenco da Cia. de Teatro Os Satyros, uma das mais importantes da cena teatral paulistana.

Simples assim mesmo. Donde você pode perceber que, para certos projetos de filme, a simplicidade, mais do que uma grande vantagem, é um grande achado, sua principal qualidade. Pois ao deixar a própria Phedra falar – e ir além da mera informação – o filme ganha muito em frescor e brilho, pois nos permite entender porque ela um grande personagem. Ela é, sem dúvida, o filme.

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Os sapatos de Aristeu, de Luiz René Guerra (FAAP), está se tornando um dos curtas-metragens mais premiados de todos os festivais brasileiro do qual participou. Até prova em contrário, está merecendo todos. Agradecimentos principais à dissecação que o roteiro sofreu numa oficina do Projeto Sal Grosso, em uma das edições do Festival Brasileiro de Cinema Universitário. Mas principalmente à sensibilidade do próprio diretor e autor do roteiro, que optou por transcender à mera temática LGBT – ou melhor, da questão do homossexualismo como algo ainda em processo de aceitamento, de entendimento – e apostar na intensidade de suas emoções contidas, reforçadas por um preto-e-branco extremamente expressivo, para falar de uma derrubada de muros. 

O muro, neste caso, é temporal e psicológico, que ocasiona uma certa dificuldade de diálogo. Mas de que matéria é feito este muro? Seria feito do ressentimento de uma família, reduzida à mãe (Berta Zemel, em atuação primorosa) e à irmã (Denise Weinberg) pelo filho mais velho, que os abandonou para seguir sua vontade? Seria feito de preconceito e certa homofobia, quando mãe e irmã decidem que o filho e irmão, já morto depois de ter vivido como quis — como um travesti — seria enterrado como homem, de terno e tudo, e sem a presença de ninguém, especialmente suas amigas travestis (tendo uma digna Phaedra D. Córdoba à frente)? Difícil determinar. Podem até ser todos estes materiais ao mesmo tempo. O fato é que, ao final, este muro tão forte acaba se desmanchando no ar, tal qual bolinha de sabão.

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Eis uma pergunta a fazer: o que deu nos cineastas do Distrito Federal neste Mix Brasil, que deram de mandar filmes com uma leveza impressionante? Primeiro, foi a comédia escrachada e leve As fugitivas. Agora, temos este Entre cores & navalhas. O filme de Catarina Accioly e Ibêrê Carvalho narra no tempo da leveza, da delicadeza e da alegria uma história de amor nada convencional entre o cabeleireiro Antony (William Salgado, discreto mas sensível) e a cobradora de ônibus Esperança (a ótima Adriana Lodi).

Certo, já deu para perceber que um dos pontos fortes do filme é a ótima direção de atores. Mas o roteiro (da própria Catarina Accioly) é uma surpresa. A história narra, como já disse, uma caminhada no tempo da leveza, da delicadeza e da alegria de duas pessoas diferentes, indo juntas para outro chute no balde e no pau da barraca – isto é, para uma mudança de vida radical. Uma delícia.

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Um breve conselho à ala trotskista-de-extrema-esquerda (prima-irmã da ala fascista-de-extrema-direita, se existir) do humorismo – isto é, nenhum – e do movimento GLBT: se não pode combater e derrotar um tipo de humor preconceituoso, leve na esportiva e, depois, incorpore-o à sua cultura, transformando-o em auto-gozação. OU, em português claro: siga o exemplo recente dos portugueses (que não só já não se importam mais com piadas de português, como começaram a inventar piadas… de brasileiro…) e o exemplo mais antigo dos judeus – o brasileiro Jurandir Chavsky (mais conhecido nas lides musicais e humorísticas como Juca Chaves) e o americano Allen Stewart Königsberg (vulgo Woody Allen) que o digam.

É verdade que As fugitivas, de Otávio Chamorro, tem todos os clichês homofóbicos que se possam imaginar – a começar pelos protagonistas, Pedro e Duduzinho, duas… com perdão do termo homofóbico… duas “bichinhas”. Mas a proposta do filme é de ser uma comédia pastelão muito escrachada – e ela não só cumpre esta papel a contento, como paradoxalmente escracha todos os clichês homofóbicos de tal forma que você não consegue levá-los (os clichês, claro) a sério. Você simpatiza com os protagonistas e ri a pregas desbandeiradas… digo, a bandeiras despregadas. Excelente.

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Para quem não sabe ainda o que são “sociochanchadas”, (definição criada por Andréa Ormond em artigo no seu blog Estranho encontro, sobre a obra-prima Perdida, de Carlos Alberto Prates Correia, vão aí alguns trechos (não resisti):

As sociochanchadas são muito parecidas entre si, em sua quase totalidade produzidas no Rio de Janeiro, com padronização televisiva e de roteiro esquemático sobre a luta de classes nas favelas cariocas ou algum rocambole nos grotões nordestinos. Percebam que o fenômeno pouco difere de outro mais antigo, aquele das pornochanchadas. Apenas trocou-se o sexo pela mensagem social, pelo engagée politicamente correto.

Uma segunda diferença fundamental é que as pornochanchadas foram feitas com as promissórias de Antonio Polo Galante e Alfredo Palácios. Caso dessem errado, o produtor falia e tinha que passar uns tempos escondido em Mongaguá. Já as sociochanchadas chegam pagas ao público, não oferecendo o mínimo risco aos realizadores, mesmo que apenas três espectadores as testemunhem.

Nem precisamos citar o título de alguma sociochanchada. Como todo fenômeno bárbaro, elas estão por aí, tomando cada vez mais espaço. Basta consultar a lista dos filmes em cartaz ou ler a sinopse dos projetos que buscam patrocínio.

Podemos dizer, sim, que vozes distoantes são O Cheiro do Ralo, Amarelo Manga, Jogo Subterrâneo, Crime Delicado, o novo do Mojica; filmes que provam a existência de uma outra maneira de se fazer cinema, longe da indústria oportunista que se criou em volta deste hábito sociochanchadeiro.

Infelizmente, o estrago se faz visível: o cinema nacional hoje vive o paradoxo de mobilizar milhões de reais para produzir resultados artísticos e comerciais pífios. Um discurso de tolerância crescente realimenta o ciclo, fazendo-se de conta que dezenas de tentativas muito parecidas entre si nada guardam em comum.

Está certo, o cinema brasileiro tem que encarar o real, encarar a violência urbana e suas conseqüências. Mas estas “sociochanchadas” e sua mania de chuchar à bordalesa pela realidade já estão enchendo o saco…

Andréa propõe que o remédio para tais gorduras seja o jeito Prates de fazer cinema, e eu concordo em gênero, número e grau. Mas outros realizadores preferem buscar inspiração no olhar rascante de Plínio Marcos sobre esta situação – e eu acho que também é uma saída boa e mais honesta que estas sociochanchadas. Basta ver Para que não me ames, de Andradina Azevedo e Dida Andrade (FAAP).

Ainda que se negue — ou que não se tenha consciência disso —, nota-se uma certa inspiração em Plínio Marcos, especialmente em Barrela e A mancha roxa, na relação amorosa entre dois presos, Marisco (Bruno Giordano) e o travesti Vivita (na verdade, uma atriz, Alice Magna). O preto-e-branco forte (recurso que parece recorrente entre os filmes mais interessantes do festival) dá mais força a este filme intenso e lírico em sua brutalidade.

E pode dizer, com orgulho: “sociochanchada” é o cacete!

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