Stanley Pickle mora no campo, sozinho. Todos os dias, da janela do quarto, ele observa a garota, pela qual se apaixona, que brinca com seu pássaro de estimação.

Para simular a felicidade doméstica e o acolhimento da família, Stanley Pickle transforma os pais mortos em mecanismos artificiais, que executam sempre as mesmas tarefas no dia-a-dia. O herói teme o mundo e prefere se isolar na realidade que inventou para si próprio. Na chance de escapar da armadilha a que se impôs, ele fracassa no contato com a garota, na medida em que lhe apresenta suas emoções deturpadas.

Victoria Mather utiliza a técnica de pixilation a fim de reforçar a vida maquínica de Stanley Pickle. Quando finalmente abandona a casa, os movimentos se tornam fluidos e o herói desliza pelo campo.

Trailer de Stanley Pickle no youtube:

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Stanley Pickle, de Victoria Mather, 2010.

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Através de slides, como se emulasse projeto científico – de modo que as informações se revestem com o discurso da verdade -, Cédric Villain nos bombardeia com clichês e estereótipos sobre chineses (em particular) e asiáticos: eles têm pele amarela, olhos puxados e cabelos longos; usam chapéus, consomem arroz e escrevem na vertical; criaram o papel, a imprensa e os fogos de artifício; invadiram o Tibete e massacraram estudantes; são mestres nas artes marciais.

Mon Chinois critica o discurso eurocêntrico, branco e ocidental (o narrador utiliza o possessivo “meu”, e a própria língua francesa, para se apoderar de seu objeto de estudo – os chineses), que se mantém nas superfícies, que se baseia em preconceitos arraigados.

Para Villain, se vistos como estereótipos, chineses – ou quaisquer povos ou culturas – não passam de fantasmas, completos desconhecidos.

Mon Chinois no Youtube (em francês, sem legendas):

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Mon Chinois, de Cédric Villain, 2008.

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Lehila Yesh Ketem Al Hasimla acompanha as reações da família à suposta (na verdade, confundem mancha de doce com sangue) primeira mestruação de Tess: a mãe lhe empurra namoradinho – sugestivamente vestido de abelha -, o irmão mais velho e insensível a sacaneia e o pai, claro, desespera-se.

Irônica e divertida crítica de Eram Flax à precoce sexualização infantil pelos adultos. Somente quando Tess encontra outra criança (com manchas de chocolate na roupa!), que a trata com naturalidade e inocência, ela volta a brincar.

Lehila Yesh Ketem Al Hasimla, de Eram Flax, 2008.

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No palco, as responsabilidades que marcam a vida moderna se transformam em espetáculo: sobre pratos, no show de malabarismo, o heróis equilibra pais, esposa, filho, amigos, chefe com quem lida no trabalho, gerente do banco a quem paga as conta do mês – sempre com os aplausos da plateia.

Os cuidados em relação aos outros, todavia, drenam o homem comum, que não possui existência própria. As obrigações cotidianas o envelhecem e levam à tragédia.

Nada que afete a lógica cruel do espetáculo e de seu público, que logo o substituem por outra vítima.

Variété, de Roelof van den Bergh, 2009.

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Urs deixa a terra  seca e morta onde vive e atravessa as montanhas que o isolam do mundo, com a mãe inválida às costas.

Enquanto sua mãe continua presa à vila que abandonaram, Urs sonha com dias melhores. A travessia representa o conflito entre a promessa do futuro (que não enxergam, devido às montanhas) e a segurança do passado (que, todavia, nada oferece).

Quando finalmente alcança o cume da montanha e vislumbra a cidade, Urs descobre que sua mãe está morta e que levou consigo, durante a viagem, pedra do antigo telhado.

O sacrifício que as lembranças impõem ao novo começo.

Urs, de Moritz Mayerhofer, 2009.

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Quarto filme de Bill Plympton com o abestalhado e prestativo cãozinho – após Guard Dog, Guide Dog e Hot Dog -, Horn Dog retoma e subverte a ideia de animação seriada, comum aos estúdios de Hollywood: Looney Tunes na Warner, Pateta (esportista) na Disney ou Tom e Jerry na MGM, por exemplo.

Plympton utiliza doses cavalares de incorreção política e de humor negro (sexo, violência e morte, temas pouco afeitos ao universo infantil), mas não alcança, em Horn Dog – no qual o estúpido e voluntarioso “herói” se desespera para cruzar –  a insanidade dos episódios precedentes (especiamente do melhor, Hot Dog).

Horn Dog, de Bill Plympton, 2009.

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Após o Oscar de melhor longa-metragem de animação por Wallace e Gromit: A Batalha dos Vegetais, Nick Park e os mais famosos personagens da Aardman retornam aos curtas. Em Wallace and Gromit: A Matter of Loaf and Death, o sempre fiel e prático Gromit deve evitar que o ingênuo Wallace se torne o décima-terceiro padeiro vítima de assassina serial.

Nick Park constroi thriler hitchcockiano em  Wallace and Gromit: A Matter of Loaf and Death. Desde o início, o público (e Gromit) conhece a identidade da assassina, já que a bicicleta de Piella tinha freios. Assim, Nick Park brinca com as expectativas da platéia(que tudo sabe)  em relação a Wallace (cego pelo amor).

Embora se baseie em Alfred Hitchcock, a sequência chave de  Wallace and Gromit: A Matter of Loaf and Death – quando Gromit encontra o diário de Piella no quarto repleto de manequins – remete a Ensaio de Um Crime, de Luís Buñuel. E, na verdade, citações não faltam: desde o título (trocadilho com A Matter of Life and Death, original de Nesse Mundo e no Outro, clássico britânico de Michael Powell e Emeric Pressburger), até a luta final entre Piella e Fluffles, semelhante a de Aliens o Resgate, de James Cameron.

Wallace and Gromit: A Matter os Loaf and Death, de Nick Park, 2008.

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Meteorito atinge Henry, que se desloca 91 cm de si mesmo. Consultas a psicólogos e a repetição do evento não lhe trazem de volta ao próprio corpo.

Cinema fantástico de primeira, Skhizein utiliza o impacto do corpo celeste para materializar, na tela, a frustação que já acompanhava Henry no cotidiano, seja no emprego emprego, seja nas visitas inconvenientes de sua mãe. Assim, o meteorito, em vez de explicar a condição do personagem (e o próprio nome, Skhizein, nada diz), serve para metaforizá-la.

Aos psicólicos, Henry está louco – trata-se somente de curá-lo. O herói se desespera, pois não compreende que os 91 cm que o separam de si representam sua alteridade em relação ao mundo.

Quando se aceita diferente, Henry finalmente se liberta. Está em todos os lugares, torna-se infinito.

Skhizein, de Jeremy Clapin, 2008.

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Em Damaged Goods, bonecos de porcelana ganham vida para encenar o amor impossível entre casal de classes sociais diferentes (que o filme apresenta pelo lugar onde moram: ele, no chão; ela, sobre o armário).

Barnaby Jones orquestra todos os movimentos dos personagens através da música, com belo uso do plano ponto-de-vista. A ressurreição da heroína – equivalente do stop-motion à última cena de A Palavra, de Carl Dreyer? – emociona.

Damaged Goods, de Barnaby Barford, 2008.

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Como a sacola mágica do Gato Félix, que se metamorfoseia em qualquer objeto, o caderno de anotações no qual Evelien Lohbeck desenha realmente se transforma em um notebook e lhe permite  intervir e brincar com os limites entre a realidade e a fantasia

Curioso e inteligente encontro das técnicas analógicas da animação – pixilation, lápis sobre papel -, com as novas tecnologias da imagem (que rende deliciosas ironias ao Youtube, Windows e Google).

Notebook, no Youtube:

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Notebook, de Evelien Lohbeck, 2008.

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