O sangue de Takena Nagao está derramado no programa especial dedicado à filmografia do animador japonês. A suspeita de terrorismo biológico do filme Resident Evil: Degeneração e as seis visões aterrorizantes de Dante´s Inferno: Uma Animação Épica são os longas do Programas Especiais Susto, que tem entrada franca mediante convite. O longa sombrio norte-americano From Inside e a história do assassino em série do longa francês Le Tueur de Montmartre fazem parte do Programa Pavor. O média metragem Kanibal Seijin, sobre alienígenas canibais que tomaram conta do planeta Terra é o filme do Programa Espanto.

A competição oficial de curtas acontece no Grito. O Programa Grito 5, em especial, traz curtas do primeiro pesadelo que faz muitas crianças cairem da cama. As animações renascidas do inferno estão na retrospectiva de curtas – Programa Mortos-vivos. Além da exibição dos programas de filmes, votação e premiação, haverá Palestra de Cinema de Animação com inscrições gratuitas.

O festival acontece no Rio de Janeiro, no Centro Cultural Justiça Federal (08 a 12 de setembro), sessões de 14h30 as 20h30 (10 de setembro de 18h as 21h30) e em São Paulo, no Reserva Cultural (17 a 23 de setembro), sessões as 20h e 21h30 (dia 23 de setembro, sessões de 13h as 21h30). Acesse o site e saiba mais. Benditos sejam os amaldiçoados.

Trailer de Takena Nagao:

Click here to view the embedded video.

Se você quer estar por dentro do que acontece nesse segmento, eis a oportunidade para saber mais sobre os bastidores e as questões atuais que envolvem a profissão. O CineCufa traz também outras discussões. Confira a programação completa, participe e exponha suas ideias.

Após 17 sessões competitivas de curtas, os 20 melhores filmes que vi no Anima Mundi:

1. The Spine, de Chris Landreth
2. Tuukrid Vihmas, de Priit Pärn e Olga Pärn
3. Tempestade, de César Cabral
4. Passeio de Domingo, de José Miguel Ribeiro
5. Logorama, de François Alaux, Hervé de Crécy e Ludovic Houplain
6. Le Garçon qui Ne Mentait Jamais, de Michel Ocelot
7. Videogioco, a Loop Experiment, de Donato Sansone
8. Le Noued Cravate, de Jean-François Lévesque
9. Der Kleine und das Biest, Joahannes Weiland e Uwe Heidschötter
10. Der Da Vinci Timecode, de Gil Alkabetz
11. Sinna Mann, de Anita Killi
12. Danny Boy, de Marek Skrobecki
13. The Lost Thing, de Andrew Ruhemann e Shaun Tan
14. Le Loup Blanc, de Pierre-Luc Granjon
15. Fard, de Luis Briceno e David Alapont
16. Love & Theft, de Andreas Hykade
17. 20 Años, de Bárbaro Joel Ortiz
18. Santa, The Fascist Years, de Bill Plympton
19. Lebensader, de Angela Steffen
20. Stanley Pickle, de Victoria Mather

Veja a cobertura completa do Anima Mundi 2010.

No consultório psiquiátrico, durante terapia de grupo, pacientes destroçados revelam suas maiores angústias e frustrações – especialmente a esposa (obesa) que reprime o marido (sem coluna verterbral).

Chris Landreth prossegue, no maravilhoso The Spine, com o psicorrealismo que o consagrou em Ryan (Oscar de melhor curta de animação em 2004): os corpos refletem os sentimentos e as emoções das personagens. Mary se deforma em virtude de sucessivos tratamentos para engravidar. Dan, por amor e culpa, anula-se e se submete à esposa – a falta da coluna como representação exterior de sua dependência.

The Spine, como Ryan, utiliza os efeitos CGI para nos mostrar a alma das personagens através de seus corpos. Quando Mary o abandona, Dan vive novamente: está livre da culpa. No entanto, assim que a mulher retorna, ele opta outra vez pelo sacrifício, por torná-la feliz às custas de sua própria miséria.

História de amor torta, às avessas (como o próprio filme) – mas que influencia Angela, que os observa: Dan oferece à narradora de The Spine a chance que não teve.

Ryan no youtube:

Click here to view the embedded video.

The Spine, de Chris Landreth, 2009.

Veja a cobertura completa do Anima Mundi 2010.

Casal se encontra por breves instantes todos os dias – ele trabalha como escafandrista até às seis da tarde, ela é enfermeira de noite.

Pérola do humor negro e da sutileza, Tuukrid Vihmas retrata as obrigações cotidianas que separam os amantes. Priit e Olga Pärn se concentram em apenas um dia das atividades do escafandrista: enquanto trabalha para resgatar, durante chuva torrencial, navio que afunda, sua mulher, em montagem paralela, espera-o em casa.

Tuukrid Vihmas aposta nas imagens surreais que marcam a obra de Priit Pärn. Sozinha, a mulher devaneia sobre a vida a dois que não possui com o amado. Debaixo da tempestade, o homem observa, impassível e um cigarro após o outro, sem-número de eventos absurdos – sensação de estranheza que os cineastas reforçam quando alongam os planos e desaceleram a narrativa (como em Aki Kaurismäki).

Estamos no meio de pesadelo que se repete dia-a-dia, círculo vicioso que impede a felicidade do casal.

Tuukrid Vihmas, de Priit Pärn e Olga Pärn, 2009.

Veja a cobertura completa do Anima Mundi 2010.

Marinheiro solitário atravessa o oceano para encontrar a mulher que ama. A tempestade, no entanto, altera-lhe o percurso e o impede de vê-la novamente.

Se apostava na força dos diálogos e no carisma das personagens em Dossiê Rê Bordosa, César Cabral se vale apenas do clima narrativo (luz e cores, sobretudo) em Tempestade, que se inspira na música Eleanor Rigby, dos Beatles, e nas paisagens de William Turner – pintor Romântico londrino, precursor do Impressionismo.

O filme sugere que a tempestade e os mares revoltos não passam de metáforas para a angústia do herói, de expressões conturbadas da alma. O marujo, pois, lança-se em saga inútil, visto que jamais reencontrará a amada: seus próprios sentimentos a mantêm distante.

Com primoroso stop-motion, Tempestade afirma César Cabral, hoje, como maior nome da animação brasileira.

Tempestade, de César Cabral, 2010.

Veja a cobertura completa do Anima Mundi 2010.

Todos os domingos, a família realiza o mesmo passeio: o pai estende a vara de pescar no canal (onde se proíbe a atividade) e ouve o jogo de futebol pelo rádio, os filhos brincam às escondidas no porta-malas e a mãe discute e reclama com o marido. Eles se divertem somente quando apostam corrida, pelas ruas estreitas, com o vizinho de acampamento.

José Miguel Ribeiro (de A Suspeita) critica, em Passeio de Domingo, o patriarcalismo da sociedade portuguesa, que conduz à dissolução familiar. O pai, que detém o poder absoluto nas relações afetivas, não escuta a mulher e não se importa com os filhos. Em vez de adquirir sua nova casa, o egoísmo paterno o leva a gastar as economias domésticas na reforma do próprio carro.

A crise explode depois do acidente com o bonde – a mulher e os filhos vão embora, a fim de construírem vida nova, longe dos abusos paternos. A reconcialiação (como indica José Miguel Ribeiro), no entanto, é possível, desde que o pai mude velhos hábitos e passe a se interessar pela família.

Passeio de Domingo, de José Miguel Ribeiro, 2008.

Veja a cobertura completa do Anima Mundi 2010.

Na cidade onde todos se decapitaram, único que mantém a cabeça a amaldiçoa. Diferente, incapaz de relacionar – sobretudo com a mulher que ama -, ele também enxerga o ridículo que a cegueira coletiva proporciona.

Por amor, a personagem de Danny Boy fabrica guilhotina com que decepa a própria cabeça. Mesmo cambaleante, sai às ruas para se encontrar com a mulher que, agora, não foge e o espera de braços abertos. Ele, finalmente, está como os outros, ignorante e feliz.

Marek Skrobecki aproveita de um dos significados possíveis da letra de Danny Boy, escrita por Frederick Weatherly no início do século XX: a mulher que se declara ao amado. Também a associaram ao lamento dos pais que se despediam do filhos, na 1a. Guerra Mundial e na Grande Diáspora Irlandesa (hino dos imigrantes que aportaram nos EUA e no Canadá).

Danny Boy, de Marek Skrobecki, 2010.

Veja a cobertura completa do Anima Mundi 2010.

Detetive, palhaço e astronauta enterram corpo de dançarina que o coelho matou. A história, na verdade, apenas reflete a imaginação do garoto, que utiliza a boneca da irmã (que se vingará, mais tarde, com seu próprio conto) na brincadeira.

Albert’t Hooft e Paco Vink se importam menos com as histórias em si, e mais com os climas das narrativas. Primeiro, Little Quentin homenageia o visual (luzes e sombras, contraste de cores, ângulos extremos) e a temática (mulheres fatais, crimes, suspense) do filme noir. Depois, os diretores subvertem o universo feminino – jantar de bonecas, vestidos multicoloridos – e provocam terror através da beleza sufocante.

Little Quentin, de Albert’t Hooft e Paco Vink, 2009.

Veja a cobertura completa do Anima Mundi 2010.